M22****2097 2022-03-31 06:48
世界十大最贵名画：《When will you marry?》、《The Card Players》、《Le Rêve》、《Three Studies of Lucian Freud》、《No. 5,1948》、《Woman III》、《Portrait of Adele Bloch-Bauer》、《The Scream》、《Flag》、《Nude,Green Leaves and Bust》。
1、作品名：《When will you marry?》
作家：Paul Gauguin-高更
成交价格：3亿美元
这幅画作是高更在塔希提岛居住期间于1892年创作的，画中有两名塔希提女子，原由瑞士收藏家鲁道夫·施特赫林所拥有。
开发者_高级运维画作以热带风光为背景，大量使用偏好的红色以及橘红色，仅用一点蓝色以及绿色陪衬，呈现一贯用色大胆风格，而主角为两名分别穿上传统服饰与西式服装的塔希提当地女性，代表波利尼西亚与欧洲间的风俗冲突。
2、作品名：《The Card Players》
作家：赛尚
成交价格：2.74亿美元
《玩纸牌者》是法国画家塞尚于1893年创作的一幅油画，现藏于巴黎奥赛博物馆。
塞尚是"变调"来代替"造型"的，即是说，色彩的各个色域的有节奏变换加强了形象的塑造。应该说，这幅画是塞尚成功地找到了自己的艺术性格的例证。
3、作品名：《Le Rêve》
作家：巴勃罗·毕加索
成交价格：1.58亿美金
这幅画作于1932年,可以说是毕加索对精神与肉体的爱的最完美的体现。是与【镜前的少女】同一年完成的,就平面分解特点来看两者有异曲同工之妙。但要简洁的多，只用线条轮廓勾画女性人体.并置于一块红色背景前，女人肢体没有作更大分析稍作夸张划分，色彩也极其单纯。
两幅画是毕加索立体派描绘女人形象和新古典派风格相结合的产物。是形象极端自由性--线条和色彩自由组合的杰作。毕加索用最简单的绘画表现出了一个在梦境和现实中的少女，他独特的表现手法给观者更多的想象空间和思维自由性!
挖洞的西瓜皮 2022-03-31 06:50 开发者_JS百科 我就简单的说：德沃赛夫人才算他真正的杰作，体现了女性的端庄，古朴典雅，优雅高贵的气质，体态丰满；德沃赛夫人的优雅，文静，文雅，端庄性格发挥的淋漓尽致。他主要以女性人体的各种画：肖像画，裸体画，神话等。《泉》安格尔法国安格尔一生画了大量的女人体绘画，著名的有《瓦品松的浴女》、《土耳其浴室》、《大宫女》、《泉》等。其中最著名的作品是《泉》。他通过一个抱罐子倒水的裸体少女的形象，表现了他终生追求的古典美。安格尔在描写女性人体画上技巧娴熟、达到了很高的艺术水平。阶级的上层人物，其中妇女又占多数。代表作有《德沃赛夫人像》、《莫第西埃夫人》、《雷维尔小姐》、《贝尔坦像》、《帕格尼尼像》等，其共同的特点是造型准确，画法精细，构图严谨。
asrwetwtw 2022-03-31 06:50
泉法国安格尔
作为法国古典主义画派最后的代表，安格尔代表着保守的学院派，与当时新兴的浪漫主义画派对立，形成尖锐的学派斗争。
泉安格尔
安格尔并不是生硬地照搬古代大师的样式，他善于把握古典艺术的造型美，把这种古典美融化在自然之中。他从古典美中得到一种简练而单纯的风格，始终以温克尔曼的静穆的伟大、崇高的单纯作为自己的原则。他的绘画吸收了15世纪意大利绘画、古希腊陶器装饰绘画等遗风，画法工致，重视线条造型，尤其擅长肖像画。在具体技巧上，务求线条干净和造型平整，因而差不多每一幅画都力求做到构图严谨、色彩单纯、形象典雅。这些特点尤其突出地体现在他的一系列表现人体美的绘画作品中，如《泉》、《大宫女》、《瓦平松的浴女》、《土耳其浴室》等。
1805年，安格尔完成了《里维耶夫人肖像》一画，这幅肖像在色彩方面无疑也是安格尔的杰作之一。匀整的颜色如同镶嵌一样和谐地结合在一起，色彩显示着形体，带有某些起伏的暗示，但没有求助于阴影。身体和衣服用象牙白突出来，组成画面的受光部分，深蓝色的沙发则组成画面的阴影部分。这两种颜色都被纳入到黑色的背景之中。红、黄两色的小小变化无害于整体效果。个性和朴实的表情、明暗和单纯——使这幅肖像画别有一种优美滋味的就是这些。这幅作品于1806年在沙龙中展出，但是它独特的、革命的、哥特式的风格特点招来了许多批评家的愤怒。事后，安格尔去了意大利，在当时奉承研究15世纪的佛罗伦萨绘画，目的是要把自己的风格提高到文艺复兴时期的水平，改造当时的绘画。他曾说过：“艺术发展早期阶段的那种未经琢磨的艺术，就其基础而论，有时比臻于完美的艺术更美。”那时他被中世纪的艺术深深吸引着。
1824年安格尔在巴黎开办了自己的学校，那些追求原始主义的年轻人都投向了他。他追求直率而纯洁的原始风格，把宗教画当作心爱的体裁，对中世纪文艺复兴时期感兴趣。他认为使艺术健全的道路在于通过希腊人和拉斐尔·桑西去研究自然，注重细节的刻画，而主要是务求线条干净和造型平整。他强调纯洁而淡漠的美，这与大卫的艺术观点是相对立的。在对待古希腊的态度上，安格尔无疑投入了更多的感情和热情。
安格尔的声誉如日中天时，也正是古典主义面临终结、浪漫主义崛起的时代。他和新生的浪漫主义代表人德拉克罗瓦之间发生许多次辩论。浪漫主义强调色彩的运用，古典主义则强调轮廓的完整和构图的严谨。安格尔把持的美术学院对新生的各种画风嗤之以鼻，形成学院派风格。
安格尔生前享有很大的声誉，死后安葬在巴黎著名的拉雪兹神父公墓。
《泉》大概从1830年安格尔在意大利佛罗伦萨逗留期间就开始酝酿，但一直没有完稿。最初在安格尔心中构思的泉，是仿效意大利大师们在画维纳斯时的愿望。他早在1807年就画过一些草图，后来不满足前人已画过的维纳斯样式，企图使形象更单纯化。26年以后，当他已是76岁高龄时才画完此画。据说曾有助手帮他绘制，如有人认为这幅画最初是由他的两个学生保罗·巴尔泽和亚历山大·德戈弗协助完成的。
叔本华在两个世纪之前就这样写道：“人的相貌有如象形文字，这种象形文字是可以破译的……他的相貌概括了他所要说的一切。”《泉》表现的是一个宁静、优雅的少女，带有天真少女所特有的纯洁与青涩、梦幻与活泼，在一泓清泉的流溢下，与葱郁的背景相得益彰。就画面本身而言，《泉》把古典美和女性人体的美巧妙地结合在一起，少女的肌肉因安格尔美丽柔缓的曲线而更具魅力，色彩运用的非常柔和而富于变化。从作品的意义而言，《泉》并没有晦涩的隐喻和做作的批判，仅仅是作者对宁静安详的向往之情的艺术依托，是作者毕生追求的美的载体。有一位评论家参观了《泉》后说：“这位少女是画家衰年艺术的产儿，她的美姿已超出了所有女性，她集中了她们各自的美于一身，形象更富生气也更理想了。”
安格尔一生中在裸体素描上下过精深的功夫，而且只有当他面对裸体模特儿时，他的现实主义的真知灼见才特殊地显现出来。他曾说：“标准的美——这是对美的模特儿不间断观察的产物，”还认为一幅画的表现力取决于作者的丰富的素描知识，撇开绝对的准确性，就不可能有生动的表现。掌握大概的准确，就等于失去准确。那样，无异于在创造一种本来他们就毫无感受的虚构人物和虚伪的感情。
这位古典主义绘画的末代风流画家，吸收了文艺复兴时期前辈大师的求实的技巧，使自己的素描技巧发挥到炉火纯青的境地。不同的只是，像马萨卓、米开朗琪罗、乔尔乔奈等大师的裸女体现的是一种充满人性的时代理想，而安格尔在裸女上所寄予的理想，则是永恒的美这一抽象概念。究其实，乃在于寻求以线条、形体、色调相谐和的女性美的表现力。这在他那些描写土耳其宫女的裸女画上尤为明显。晚年，安格尔画了这一幅《泉》，则进一步反映了画家对美的一种全新观念，那就是他深深觉得用精细的造型手段创造一种抽象的古典美典范的必要性。76岁高龄的安格尔，终于在这一幅《泉》上，为他心中长期积聚的抽象出来的古典美与具体的写实少女的美，找到了完美结合的形式。
安格尔经常在同一主题或构思中进行复制，有时花上几年甚至几十年的工夫。例如，他的一幅《罗哲与安吉莉卡》有2幅复制，均作于1841年。《保罗与弗朗切斯卡》有5幅复制，最早的作于1819年，其余的分别作于1856年以后。有时，他的这幅画上出现了另一幅画上曾经出现过的个别人物形象，比如《瓦平松的浴女》上的形象，再次出现在后来的《土耳其浴室》一画上；《授圣餐的圣母》中的圣母，是从《路易十三的誓言》一画的构图中搬来的，其中有一个天使的脸差不多和他的《土耳其浴室》上的裸女一模一样。这一幅《泉》基本上与《阿纳底奥曼的维纳斯》（1848年作，现藏于法国尚蒂伊贡德美术馆，画的内容为从海水泡沫中诞生的女神，故此处画的是维纳斯从海水泡沫中升起，周围有许多小爱神簇拥着）雷同，仅具有微小的开发者_开发知识库变化。此外，周围一群小天使形象被删去了。这种创作特点过去有人认为是安格尔创作思想枯竭的表现，这样说未免太武断了些。当然，古典主义画家除了画模特儿很少到现实生活中去，但安格尔本人却解释为，这是使主题更接近自己的理想，形象更趋完美的一种求索精神的反映。
当《泉》完成之后，画家对人说：“同时出现了5个买主，有人简直向我猛扑过来。他们争执不休，我几乎要让他们抓阄。”《泉》确实具有人们所向往的那种纯粹的美的品质，尽管她是画家深藏心底达半个世纪的理想化身，一旦付诸画布，人们确对这位艺术家的镂月裁云之作而发出由衷的赞叹。1857年，《泉》被迪麦泰尔伯爵（也翻译为为玖沙泰里伯爵）收购，成为私人藏画品。后根据这位伯爵的遗嘱，他的家属于1878年将此画赠给国家，成为巴黎卢浮宫内又一镇馆之宝。
安格尔愿意把自己称为历史画家，这是因为自17世纪法兰西皇家绘画雕刻学院成立以来，传统的古典主义信徒一直把历史画视为最高的等级（第一等级为历史画、神话宗教画；第二等级为风俗画、肖像画；第三等级为风景画、静物画）。但是，从美术史的角度来看，安格尔最出色的是肖像画和人体画，如果把他的肖像画和人体画再加以比较，就会发现他成就最高的是女人体画。
梅杜萨之筏法国籍里科
此画的创作，源于当时的一个真实的丑闻事件。19世纪初，法国海军部任用了一个根本不懂得航海的人肖马雷任远洋船“梅杜莎号”的船长。这艘巨型船在驶往非洲途经布朗海峡时触礁沉没，船上有权势的人都乘小船逃命，遗下150多名乘客和船员。他们为生存造了一只木筏漂泊海上，半个月后得救的时候，筏上生还者只有15人，上岸后又死去2人。这宗海难事件激起法国人的强烈不满，法国海军部受到社会各界舆论的谴责。富有正义感的画家籍里科从这一真实事件出发，创作了这幅世界名作——《梅杜萨之筏》。
画家创作过程中，阅读了生还者的回忆文字，并访问了幸存的那几个人，请他们作指导，还自己做了一只类似梅杜萨的木筏，亲自在海上漂泊，以获取真实的环境、气氛和对大海风浪变幻的体验。他构思良久，先后构图多幅。为了能真实地再现当时的情景，他亲自到病院观察垂死的人的情态。为了描绘死者的肉体色彩，他将解剖的死人体浸于海水中观察其色彩变化，他还请黄胆病人为他做模特儿，据说病中的德拉克洛瓦就曾做过他的模特儿。这幅画描绘了遇难者呼救的紧张瞬间，他们居高呼喊远方的救生船。画家有意在背景上画一风帆，逆风将木筏往后吹行，遇难者向往救生船的心情和逆风逐渐将木筏往后吹的现实造成对立的紧张气氛。激情正是浪漫主义精神所在，但画中那座人体构成的金字塔不免有古典主义的遗风。在这幅画中浪漫主义的激情和古典主义的造型交织在一起，构成由古典主义向浪漫主义过渡的杰作。
saberkk 2022-03-31 06:55 安格尔崇拜希腊罗马艺术和拉斐尔，和大卫一样捍卫古典法则，但又对中世纪和东方异国情调表现出浓厚的兴趣，因而被一些艺术史家戏剧性地划入浪漫主义画派。安格尔是一个对自然崇拜得五体投地的多情者。安格尔在向希腊人和拉斐尔讨教之前，先学习了自然。他曾断言：“希腊人就是自然；拉斐尔之所以是拉斐尔，就是因为他比别人更了解自然。”安格尔并不能完全放弃明暗的处理，他还使用很强的，鲜艳得过分而不真实的颜色，以弥补作品色彩的冷淡。在这种情况下，我们看安格尔的画通常会有这样的感觉：线条画得太乾净了。正是这种线条的乾净把安格尔引向抽象，会使画面毫无内容，但为了表现明暗和反射（使作品富有内容），他也会把线条打断，使之带有“绘画性”，可是在这种有如金属一般坚硬的“绘画性”中，却没有一般“绘画性”所必不可少的那种流畅和“灵魂”。当他的线条变得过于准确时，他就以细节来压倒它，画上一堆纯属低级的趣味的装饰物。但当他模仿提香时，那简直就是拉斐尔，这时的作品就成为珍贵的杰作。当他初访罗马之后，他又完善了自己的绘画风格，越来越多的杰作出现了，他的艺术也到达了鼎盛期。安格尔对表现女性裸体充满了热情，他的自然道路就是爱神的道路。他对女色的嗜好是深刻而一贯的。当安格尔的天才同青春美丽妖娆的女性结合在一起时，创造力往往是空前的。肌肉、曲线、酒窝、 土耳其浴女柔韧的皮肤——一切的一切，我们都可以从他的油画上看到。《土耳其浴女》是安格尔的优秀创作之一。画中的裸体组成了一个中间性的基调，小小的蓝、红、黄各色斑块，如宝石一样嵌缀其间，只是稍显模糊，但非常和谐一致。在女性美的表现上，安格尔克服了他那种感官上的爱好，赋予了它以传奇的魅力。这幅画反映了安格尔借助众多的“洁净”、“洗练”优美的人体来表现一种单纯与丰富、动态与静态的完美结合。每个浴女是一种“洗练”和“洁净”的形式，众多的“洗练”和“洁净”结合在一起就使得形式更为丰富。这冷静、幽雅精于用线和微妙的明暗色调来体现人体表达方式，是来自古典主义的传统；但是，这种真切而又超越真实，单纯而又变化丰富，柔美而又不柔弱甜媚的抽象意味，以及作品中所流露出来的浓郁的东方情调，是传统的古典艺术中所从未有过的。安格尔把对古典美的理想和对具体对象的描绘达到了完美统一的程度。 在安格尔画的所有描绘女子裸体的油画之中，《瓦平松的浴女》和《泉》无疑是最好的二幅。《瓦平松的浴女》作于1808年，安格尔时年28岁。美妙的女子背影使他激动得竟至无暇过多顾及技术。半明和半暗的调子在这柔嫩的背上颤动着。色彩虽然相当原始，却也不无悦人之处。绿色的帘子、浅黄色调的身体、白色的床单、白色带红的绸头巾一一全部安排在一个平面上，如在镶嵌饰物中一样和谐地交织在一起。安格尔从1830年在意大利佛罗伦萨逗留期间就开始创作《泉》，但一直没有完稿。二十六年以后，当他已是七十六岁高龄时才画完此画。这幅画是安格尔的得意之作。“泉”把古典美和女性人体的美巧妙地结合在一起。出色地表现了少女的天真的青春活力，是他毕生致力于美的追求的结晶。这虽是他晚年的作品，但所描绘的女性的美姿却超过了他过去所有的同类作品。“泉”也是西欧美术史上描写女性人体的优秀作品之一。由此可见，安格尔的造型力纯粹是对现实的一种感性的占有，在他的构图创作中，只有当他的可能拜倒于女人面前时，他才创造了真正的艺术作品。安格尔一生中在裸体素描上下过精深的功夫，而且只有当他面对裸体模特儿时，他的现实主义真知灼见才特殊地显现出来。他曾说：“标准的美——这是对美的模特儿不间断观察的产物”，还认为：一幅画的表现力取决于作者的丰富的素描知识；撇开绝对的准确性，就不可能有生动的表现。掌握大概的准确，就等于失去准确。那样，无异于在创造一种本来他们就毫无感受的虚构人物和虚伪的感情。这位古典主义绘画的末代风流画家，吸收文艺复兴时期前辈大师的求实的技巧，使自己的素描技巧发挥到炉火纯青的境地。这里所不同的只是，象马萨卓、米开朗基罗、乔尔乔奈等大师的裸女体现的是一种充满人性的时代理想，而安格尔在裸女上所寄予的理想，则是“永恒的美”这一抽象概念。究其实，乃在于寻求以线条、形体、色调相谐和的女性美的表现力。这在他那些描写土耳其宫女的 裸女画上尤为明显。晚年，安格尔画了这一幅《泉》，则进一步反映了画家对美的一种全新观念，那就是他深深觉得用精细的造型手段创造一种抽象的古典美典范的必要性。76岁高龄的安格尔，终于在这一幅《泉》上，把他心中长期积聚的抽象出来的古典美与具体的写实少女的美，找到了完美结合的形式。 他在这幅画上展示了可以得到人类普遍赞美的美的恬静、抒情和纯洁性。有一位评论家参观了《泉》后说：“这位少女是画家衰年艺术的产儿，她的美姿已超出了所有女性，她集中了她们各自的美于一身，形象更富生气也更理想化了。” 《泉》大概在意大利佛罗伦萨时就开始酝酿了，那是在1820年的事，为什么事隔36年后才最终完成此稿呢？这还得从他的学生保罗·巴尔泽和亚历山大·德戈弗两人说起。最初在安格尔心中构思的“泉”，是仿开发者_运维问答效意大利大师们在画维纳斯时的愿望，他早在1807年就画过一些草图，后来不满足前人已画过的“维纳斯”样式，企图使形象更单纯化。有人认为这幅画最初是由上述两个学生协助完成的。 安格尔经常在同一主题或构思中进行复制，有时花上几年甚至几十年工夫。 1857年，《泉》被迪麦泰尔伯爵收购，成为私人藏画品。后根据这位伯爵的遗嘱，他的家属于1878年将此画赠给国家，终于成为巴黎卢浮宫内又一镇馆之宝。
粉拳猫猫 2022-03-31 06:57 开发者_运维问答
达芬奇的《蒙娜丽莎》。
《蒙娜丽莎》原作的尺寸：纵77cm、横53cm，该作品画在一块黑色的杨木板上。《蒙娜丽莎》画像没有眉毛和睫毛，面庞看起来十分和谐。直视蒙娜丽莎的嘴巴，会觉得她没怎么笑；然而当看着她的眼睛，感觉到她脸颊的阴影时，又会觉得她在微笑。
蒙娜丽莎的微笑中，含有83%的高兴、9%的厌恶、6%的恐惧、2%的愤怒。蒙娜丽莎，坐在一把半圆形的木椅上，背后是一道栏杆，隔开了人物和背景，背景有道路、河流、桥、山峦，它们在达·芬奇“无界渐变着色法”的笔法下，和蒙娜丽莎的微笑融为一体，散发着梦幻而神秘的气息。
《蒙娜丽莎》代表了文艺复兴时期的美学方向；该作品折射出来的女性的深邃与高尚的思想品质，反映了文艺复兴时期人们对于女性美的审美理念和审美追求。
每年到卢浮宫鉴赏《蒙娜丽莎》作品的人数，大约有600万左右。
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